Музыкальная драматургия - развитие музыки.
Музыкальная драматургия – отражение музыкальных образов в движении, развитии, взаимосплетении и борьбе противоречивых начал (противоречий).
Способы развития музыки:
1. Повторение, повторы – трехчастная форма (АВА), форма рондо (АВАСАДА), куплетная форма.
2. Варьирование – вариационная форма, сонатная форма (разработка, реприза).
Виды варьирования - секвенция, имитация.
Секвенция (от лат следование)– перемещение мотива, повторение последовательности звуков на разной высоте, в восходящем или нисходящем направлении.
Имитация ( от лат. подражание) – повторение темы или мотива в другом голосе музыкального произведения (полифоническое изложение - канон или фуга).
Два направления музыкальной культуры.
Музыкальная культура развивалась во взаимодействии двух основных направлений: светского и духовного (церковного).
Светская музыка в своих истоках опиралась на народно-песенную, танцевальную культуру.
Духовная музыка всегда была связана с богослужением.
Духовная музыка.
К сфере духовной музыки относят прежде всего вокальные или вокально-инструментальные произведения на тексты религиозного характера, исполняемые во время церковной службы
Церковная музыка всегда обращена к темам Священного писания. Драматургия образов страдания, смерти, воскресения Христа является основой развития духовной музыки. В церковном обряде музыка и слово в единстве с другими видами искусства определяют целостность драматического действа, построенного на контрастах различных образов. В восточной, православной церкви это литургия и всенощная, венчание и молебен, в истоках которого лежит знаменный распев. В западной, католической церкви - месса, реквием, страсти, кантаты и др. В их основе - хорал, многоголосное пение в сопровождении органа или оркестра.
Религиозные сюжеты и формы церковной музыки преобладают в творчестве немецкого композитора И.-С. Баха и русского композитора М.Березовского. Бах чаще всего писал музыку для органа и хора, а Березовский - для хора a capella, Благодаря полифонии основная мысль каждого их сочинения получает глубокое и многогранное развитие. Содержание хора "Kyrie, eleison!" из "Высокой мессы" И.-С. Баха и 1-й части духовного концерта "Не отвержи мене во время старости" М.Березовского развертывается в совершенной полифонической форме - фуге.
Светская музыка.
Светская музыка - музыка, свободная от влияния церкви.
С XVI в. начинает развиваться камерная музыка (от лат. camera - комната). Так в отличие от церковной и театральной, называют инструментальную или вокальную музыку. С середины XVIII в. активизируется светская концертная жизнь, свободная от влияния церкви. Увеличивается количество оркестров, ансамблевых и сольных концертов. В творчестве венских композиторов-классиков - Гайдна, Моцарта, Бетховена и др. - сформировались классические виды инструментального ансамбля - соната, трио, квартет и др.
Написанная для небольшого состава исполнителей, камерная музыка звучала в домашней обстановке или при дворах знатных вельмож. Исполнителей, работавших в придворных ансамблях, называли камер-музыкантами. Постепенно камерная музыка стала исполняться не только в узком кругу знатоков и любителей музыки, но и в больших концертных залах.
Разнообразны камерные вокальные и инструментальные миниатюры композиторов-романтиков XIX в. К ним относятся песни Ф.Шуберта, фортепианные песни без слов Ф.Мендельсона, каприсы Н.Паганини, вальсы, ноктюрны, прелюдии, баллады Ф.Шопена, романсы М.И.Глинки, пьесы П.И.Чайковского и многое другое.
Камерная инструментальная музыка
Этюд
Этюд (от фр. изучение, упражнение) - это пьеса, предназначенная для совершенствования техники игры на каком-либо инструменте. Это понятие встречается и в живописи: этюд - набросок, эскиз будущей картины.
В XIX веке с расцветом виртуозного исполнительства и усовершенствованием музыкальных инструментов развивается новый жанр -концертные этюды. Их технические трудности подчинены раскрытию художественного замысла композитора.
И сейчас популярны этюды композиторов-романтиков, искусство которых проникает во все уголки человеческого сердца.
Яркими представителями романтизма являются польский композитор Фредерик Шопен (1810-1849) и венгерский композитор Ференц Лист(1811-1886). Оба они были прекрасными пианистами. Шопен завоевал признание слушателей в светских салонах, а Лист - в больших концертных залах.
В этюдах Шопена звучит романтическая мечта о чувствах, возвышающих человека, - это и мысли о любви, и созерцание природы, и революционный пафос.
Лист стремился приблизить звучание фортепиано к звучанию оркестра. В его этюдах заложены принципы скрытой программности, образно-художественной живописной манеры изображения. Во времена Листа бытовало мнение о том, что многие этюды неисполнимы из-за их невероятной технической трудности.
Транскрипция
Термин транскрипция (от лат. переписывание) означает переработку, переложение музыкальных проиведений. Транскрипции появились в XVI-XVII вв. как переложение нотных текстов для исполнения на других инструментах. В XIX в. транскрипции стали одним из наиболее популярных концертно-виртуозных жанров, имеющих самостоятельное художественное значение.
С одной из транскрипций русского композитора XIX в. М. Балакирева вы уже знакомы. Это фортепианная пьеса, написанная на тему известного романса М.И.Глинки "Жаворонок"
Широкую популярность получили фортепианные транскрипции Ф.Листа. Его мастерство пианиста-виртуоза современники оценивали очень высоко. "Когда играет Лист, - говорил немецкий писатель Г.Гейне, - не думаешь больше о преодолеваемых трудностях, рояль исчезает, и нам раскрывается музыка". Он сделал переложения для фортепиано девяти симфоний Л.Бетховена. Лист писал: "Если я выполню свою задачу - сделать их доступными - на уровне искусного гравера или умного переводчика, то моя цель будет достигнута". Огромной популярностью пользовались этюды Листа по каприсам Паганини. Именно Лист привлек внимание Рахманинова, Лютославского к Капрису №"4 Паганини.
Лист боготворил музыку австрийского композитора Шуберта, видя в ней высшее выражение лирической поэзии в звуках. Среди фортепианных транскрипций Листа такие известные творения Шуберта, как "Лесной царь", "Серенада", "Форель", "Аве, Мария" и др.
Известный итальянский пианист и педагог Ферруччо Бузони (1866-1924) продолжил традицию создания транскрипций, оказав значительное влияние на развитие пианистического искусства Европы. В своих транскрипциях он, так же как и Лист, обращался к сочинениям многих композиторов.
Исполнение Бузони сравнивалось то с творениями живописи, то с великими соборами. Слушая его, говорили о "красочных полотнах", "фресках", "звуковых скульптурах" в его "как из мрамора изваянной игре". В исполнении Бузони все производило впечатление гениальной импровизации - и в этом была его главная сила!
Циклические формы инструментальной музыки
"Кончерто гроссо" А.Шнитке
Сюиты, инструментальные концерты, сонаты, симфонии относятся к циклическим формам музыки. К этим формам обращались как композиторы прошлого, так и наши современники.
Музыка выдающегося отечественного композитора А.Шнитке - это исповедь человека нового времени, вобравшего в себя опыт нескольких столетий - от XVII до XX в. Свободное совмещение прошлого и настоящего - особенность его музыки. Привлечение музыкальных цитат. полистилистика (намеренное соединение в одном произведении различных стилистических явлений) свойственны А.Шнитке. Благодаря этому обращение к музыке этого композитора расширяет наши представления о единстве мира и человеческой культуры.
Концерт для двух скрипок, клавесина и камерного оркестра А.Шнитке имеет старинное название "Concerto grosso" (в переводе с итал. - большой концерт). В этом концерте взаимоотношения между солистами и оркестром такие же, как в старинных инструментальных концертах Баха и Вивальди. Партии солистов не довлеют над оркестром, а подчинены какому-то высшему порядку, высшим взаимоотношениям с оркестром.
Свой концерт композитор посвятил своим друзьям и первым исполнителям этой музыки скрипачам Гидону Кремеру и Татьяне Гринденко. "Сочиняя концерт, я не только слышал их, но и видел, как они играют... Их сценическое поведение доставляет слушателям и зрителям эстетическое наслаждение".
Волевой, целеустремленной главной теме 5-й части композитор противопоставляет тему другого мира - злобного, враждебного. "Наплывы", искажающие звучание чистых тембров скрипки, воспринимаются слушателями как вторжение сил, противостоящих активности главной темы.
"Сюита в старинном стиле" А.Шнитке.
Сюита (от фр. ряд, последовательность) существует с XVI в. и относится к многочастным циклическим формам инструментальной музыки, так же как возникшие позднее соната и симфония. Сюиту можно сравнить со сборником рассказов, в отличие от симфонии - более динамичной, цельной, подобной роману. Сюита состоит из нескольких самостоятельных частей - танцев, обычно контрастирующих между собой и объединенных общим художественным замыслом.
В 1-й половине XVIII в., когда клавирное искусство достигло своего расцвета, сюиты превратились в музыку для слушания. Их стали предварять прелюдии, в них включались инструментальные арии. Возникли сюиты, состоящие из программных пьес-картинок.
Во 2-й половине XVIII в., во времена Гайдна, Моцарта, Бетховена, сюита уже воспринималась как нечто старомодное. Хотя легкие развлекательные оркестровые сочинения венских классиков (дивертисменты, серенады) написаны в форме сюит, например знакомое вам "Рондо" из "Маленькой ночной серенады" В.А.Моцарта.
В XIX в. мода на сюиту возродилась. Русские композиторы XIX в. также сочиняли сюиты. Вам знакомы отдельные пьесы из фортепианной сюиты "Картинки с выставки" М.Мусоргского, симфонической сюиты "Шехерезада" Н.А. Римского-Корсакова, сюиты для оркестра "Моцартиана" П.И.Чайковского. У него же впервые появились сюиты из музыки балетов. Они стали звучать независимо от театра, как самостоятельные симфонические произведения. В XX в. возникли сюиты из кинофильмов.
Родиной романса считается Испания. Именно здесь в XIII — XIV вв. странствующие поэты-певцы создали новый музыкальный жанр. Слово «романс» происходит от испанского «романсе», то есть исполняемый на «романском» языке (так назывался тогда испанский), а не на латинском — официальном языке католической церкви. Как это понимать? Очень просто. В то время в Испании все церковные песнопения исполняли на латыни, а так называемые светские песни пели на национальном языке. Потому произведение, написанное на романском языке, называли романом, а стихотворения, положенные на музыку — романсами. Позже романсом в Испании стали считать всякую сольную песню, исполняемую в сопровождении музыкального инструмента, чаще всего гитары или фортепьяно.
Итак, романс — это небольшое стихотворение, положенное на музыку для сольного исполнения, которое исполняется в сопровождении музыкального инструмента, чаще всего гитары или фортепиано.
В России этот жанр появился в начале XIX века и сразу завоевал всеобщую любовь. Первые русские романсы сочинялись на французском языке, причем не только композиторами, но и певцами-любителями. Их имена часто оставались неизвестными.
А вот имена тех, кто известен на весь мир: Александр Сергеевич Даргомыжский, Модест Петрович Мусоргский, Николай Андреевич Римский-Корсаков, Александр Александрович Алябьев, Дмитрий Дмитриевич Шостакович, Михаил Иванович Глинка и другие. Сколько изумительных романсов было создано великими композиторами! Только Петром Ильичем Чайковским написано более 100 романсов. Они близки и понятны нам сегодня так же, как близки и понятны людям XIX и XX веков.
Для романса, имеющего сходство с балладой, характерны образы, навеянные старинными преданиями и легендами. Они повествуют об исторических событиях и героях, раскрывают их переживания и деяния.
Элегия —это лирико-философское стихотворение. Примером элегии может служить романс «Утро туманное» на слова Ивана Сергеевича Тургенева.
Со временем романс расширил свои рамки, наполнился любовным, шуточным, сатирическим содержанием. Появились его разновидности: элегия, баллада, драматический монолог, городской, цыганский и народный романс.
Красивые и плавные мелодии, проникновенные слова романсов легко запоминаются. В них звучат слова о дружбе, любви, неразделенном чувстве, ревности, разлуке, красоте родной природы, тоске по Родине — слова о том, что трогает душу каждого человека.
------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Вольфганг Амадей Моцарт
Соната № 11 В этой сонате нет драматического содержания в ней преобладают лирические образы. В музыке 18 века благодаря своеобразным формулам ярко предстает эпоха галантных манер и форм общения, которым необходимо было следовать дамам и кавалерам ( например музыкальную фразу могли завершать гармонические последовательности кадансы, которые вызывали у слушателей ассоциации с поклонами, реверансами.
Построение сонаты №11 В.Моцарта. Композиторы далеко не всегда сохраняют традиционный сонатный цикл. 1 ч.Тема с вариациями Тема лирического песенно-танцевального характера, звучит мечтательно, светло, спокойно, тема эта несет в себе женское начало. Образ героини явно привлекателен, полон нежных чувств и юной непосредственности. 1.вар. ускорение темпа, которые придают ей взволнованность 2 вар.танцевальность,чувствуются мягкие “реверансы” поклоны в конце фраз. 3 вар.благодаря смене лада(минор) появляется оттенок грусти, некоторой встревоженности Всего вариаций 6 2 ч. Менуэт-танец. тема менуэта не вносит контраста. 3 ч.рондо –ярко выраженный изобразительный характер .В основе развития в рондо лежит контраст. В нем воспроизводятся некоторые особенности турецкой музыки. В рондо присутствует форма с прибавлением рефрена. Рондо в турецком стиле . Почему в турецком? Когда Моцарт создавал эту музыку, в Западной Европе впервые услышали ранее не известную там турецкую музыку. В ней главную роль играли ударные инструменты, особенно большой барабан, который был изобретен на Востоке, получил распространение в Турции и поэтому долгие годы назывался турецким барабаном, шумные удары барабана Моцарт остроумно воспроизвел в финале своей сонаты. Рефрен - музыкальная форма, где главная тема(рефрен) повторяется несколько раз, а между ее повторами звучат новые фрагменты (эпизоды).
1866 — 1900
Имя Василия Калинникова — композитора, сочинившего одухотворенную, необычайно светлую музыку, — прекрасный «маяк» для молодого поколения.
Его жизнь была полна невзгод и лишений, но он всегда предъявлял к себе высочайшие требования, был примером святого служения искусству. Он рано скончался от тяжелой болезни легких, не дожив до тридцати пяти лет.
Творчество Калинникова — одна из самых поэтичных и загадочных в своей недосказанности страниц в истории русской музыки.
Талант его так и остался нераскрытым, оборвавшись на полуслове, полуфразе,полувзмахе его дирижерской палочки. Он не сгорел, как росчерк молнии, не взорвал тишину, как звонко лопнувшая струна. Его талант скорее был похож на скромный полевой цветок, который, распустившись под солнцем, едва успел пропеть свою прекрасную песню, а когда солнце зашло, стал постепенно вянуть, клониться к земле все ниже и совсем увял.
«Кольцов русской музыки» — так назвал Калинникова искусствовед Б. Асафьев, имея в виду схожесть их судеб и тонкое лирическое мироощущение.
Из всех известных композиторов XIX века Калинников единственный происходил не из дворянского рода. Мать его была дочерью регента. Отец был из духовного сословия, правда, служил на другом поприще — становым приставом в селе Воин Мценского уезда Орловской губернии. Здесь и родился 1 января 1866 года в семье Сергея Федоровича и Ольги Ивановны Калинниковых сын Василий, будущий композитор. Позже появились на свет еще трое сыновей и дочь.
Воспитанию и образованию в семье уделялось много внимания. Несмотря на скромные доходы, для обучения детей нанимались прекрасные учителя, поощрялось увлечение хоровым пением, народным творчеством. Первым наставником Василия стал друг семьи земский врач Александр Васильевич Евланов. Он был неплохим скрипачом и обучил мальчика основным навыкам игры на скрипке. Преподал ему и первые уроки нотной грамоты.
Когда дети подросли, Сергей Федорович ушел в отставку, семья переехала в Орел, где Василия, показавшего хорошие знания на экзамене, взяли сразу на второй курс Духовного училища. В 14 лет он окончил его, затем проучился четыре года в Духовной семинарии, где ему доверили руководство хором. И он успешно справился с этой обязанностью. В «Русской музыкальной газете» была опубликована заметка о «стройном пении семинарского хора под управлением Василия Калинникова».
В 1884 году юноша приехал в Москву, поступил в Московскую консерваторию в классы сольфеджио и элементарной теории музыки. Прошел оба курса за год. Казалось бы, мечта учиться в консерватории достигнута! Но плата за обучение оказалась непосильной и продолжить образование в ней ему не пришлось. Бедность, нужда преследовали его всю жизнь, приходилось зарабатывать на еду и жилье уроками пения, переписыванием нот и другими случайными поручениями.
Но он не сложил руки, поступил в Музыкально-драматическое училище при Московском филармоническом обществе, где у него появилась возможность учиться бесплатно, как студенту, обучающемуся на духовом инструменте — фаготе, необходимом для участия в симфоническом оркестре.
Кроме игры на фаготе, он занимался теорией музыки, композицией, контрапунктом, оркестровкой и другими предметами. Искусство гармонии постигал в классе известного педагога Семена Николаевича Кругликова. Благодаря именно его стараниям Калинников стал профессиональным музыкантом, освоил навыки, которые ему пришлось получать гораздо позже, чем другим студентам, но освоил прочно и основательно.
Он учился, не давая себе отдыха, не зная никаких развлечений, не обращая внимания на холод и полуголодное существование. Учился до изнеможения, отдавая себя всего, притом что болезнь уже давала о себе знать. Словно предчувствовал, что ему отпущено совсем немного.
Музыкально-драматическое училище по сравнению с Московской консерваторией было скорее рядовым учебным заведением, чем «элитным». Но его иногда называли «консерваторией П. Шостаковского». Высокий уровень преподавания, требовательность, атмосфера творчества, доброжелательности, бескорыстная помощь его творческого наставника С. Кругликова, относившегося к нему по-отечески тепло и заботливо, помогавшего переносить лишения, — все это говорит о том, что в училище царили передовые взгляды на искусство и образование.
В годы учебы были написаны симфоническая картина «Нимфы», кантата «Иоанн Дамаскин», «Серенада» для струнного оркестра, романсы «Нам звезды кроткие сияли», «На чудное плечико милой», «На старом кургане» и др.
В 1892 году он окончил полный курс в Музыкально-драматическом училище и стал свободным художником. Хотя свободы, конечно, он никогда не знал. К бесчисленным урокам прибавилась игра в оркестрах, репетиции с оркестром Итальянской оперы в качестве второго дирижера (который работает лишь на репетициях), оркестровка сочинений других авторов и еще много всякой грошовой работы.
Но Калинников был молод и не позволял себе предаваться унынию. Тем более что к тому времени он был уже счастливо женат на Софье Ливановой, дочери священника. Софья не только вдохновляла его на творчество (она тоже очень любила музыку и играла на фортепиано), но и была во всем опорой, разделяя с ним не только радости, но и невзгоды, которых было гораздо больше.
«Мир обязан этому ангельской души человеку, — пишет о Софье Ливановой в книге «Симфония жизни в 4-х частях» Г. Пожидаев, — стойкой и мужественной в жизненных испытаниях женщине, что сумел пропеть несколько своих божественных песен неповторимый русский художник Василий Калинников».
Неожиданно в жизни Калинниковых наступил небольшой просвет. Калинникова взял под свою опеку Савва Мамонтов, владелец Частной оперы, меценат, поддерживавший многих художников. Калинников был единственным композитором, которому покровительствовал Мамонтов.
На его средства по настоянию врачей двадцатисемилетний Калинников переехал с женой в Ялту, где был мягкий климат и ему легче дышалось. Вначале здоровье Василия Сергеевича вроде бы стало поправляться, но вслед за этим наступило резкое ухудшение.
Но талант его не угасал, а становился, наперекор недугу, все ярче и уверенней. В 1895 году была закончена Первая симфония (соль минор). Благодаря усилиям друзей она была исполнена в Киеве в концерте РМО (Русского музыкального общества) в марте 1897 г., дирижировал А. Виноградский.
Симфония буквально ворвалась в музыкальное пространство того времени, прославив имя Калинникова не только в России, но и во всем мире.
«Симфония Ваша и вчера одержала блистательную победу, — писал дирижер композитору после исполнения симфонии в Вене. — Право, это какая-то триумфальная симфония. Где бы я ее ни играл, всем нравится».
Успех композитора вынуждены были признать и музыкальные снобы, именитые современники, не признававшие всерьез композитора, который даже образования «приличного» не получил, консерваторию не окончил.
Василий Сергеевич догадывался о том, что появление его фигуры на российском музыкальном небосклоне воспринимается неоднозначно. Но его нисколько не задевало чужое высокомерие. Он даже не задумывался об этом. Слабый физически — он был непоколебим в любви к музыке.
Калинников был прежде всего симфонист по природе своего таланта. Интересные факты подтверждают это. Однажды
С. Прокофьев за границей после исполнения собственного сочинения услышал, как кто-то из слушателей воскликнул: «Браво! Настоящий Калинников!» Прокофьев, конечно, оскорбился, бросил партитуру и в гневе удалился.
Подобной «похвалы» удостоился как-то и Рахманинов. Его реакция была такой же.
Эти курьезные случаи из жизни известных композиторов говорят не столько о невежестве слушателей, не уловивших индивидуального стиля авторов, сколько о том, что Калинников являлся тогда символом русской музыки, русского симфонизма!
В 1897 году появилась Вторая симфония, в 1898-м — симфоническая картина «Кедр и пальма» и оркестровые номера к трагедии А. К. Толстого «Царь Борис». Работал Калинников над романсами, пьесами для фортепиано, хоровыми произведениями.
Начал также работу над оперой «В 1812 году» по заказу С. Мамонтова. Но силы его таяли. Работать сидя он мог недолго, час-полтора в день.
Он успел закончить лишь Пролог к опере.
Незадолго до смерти В. С. Калинникова в издательстве Юргенсона была издана Первая симфония, композитор был этому рад несказанно. К счастью, он так и не узнал, что издатель ничего не заплатил ему, умирающему автору... Друзья и просто сочувствующие люди, знавшие о тяжелом положении Василия Сергеевича (в их числе и С. В. Рахманинов), собрали деньги и передали «гонорар» композитору.
Последними сочинениями были музыкальные письма друзьям и романсы «Молитва» и «Колокола».
Умер В. С. Калинников в Ялте 29 декабря 1900 года.
И все же не стоит имя Василия Калинникова связывать только с трагической нотой. Да, он мог бы сочинить гораздо больше, если бы судьба была к нему не так жестока. Но послушайте его музыку! В ней есть все: и мечты, и радость, и слезы; но главное — свет, надежда, глубина чувства!
Он прожил счастливую жизнь, потому что в ней были Музыка и Любовь.
Статья из книги О. Харитоновой «Школьный вальс» (М., Эдитус, 2013).
Комментариев нет:
Отправить комментарий